Коллекция Института костюма Киото. Часть 1: 1720-1770 гг.

Институт костюма Киото был учрежден в 1978 году после первой полномасштабной
выставки высокой моды в Японии «Творческая одежда 1909 - 1939», экспозиции,
составленной в Музее Метрополитен в Нью-Йорке. Находясь под впечатлением от
результатов выставки, президент корпорации «Wacoal» (производитель нижнего белья
в Японии) Кой-чи Цукамото, а также вице-президент Торгово-промышленной палаты
Киото откликнулись на предложение создать в Японии учреждение, где можно было бы
систематизировать достижения западной моды, проводить исследования и
экспонировать предметы туалета. Согласно постановлению японского
правительственного агентства по делам культуры, господин Цукамото основал его в
апреле 1978 года.

Одежда является неотъемлемой частью нашей жизни, и она меняется вместе с
историей и обществом. Уделяя наибольшее внимание женской одежде западного стиля,
Институт костюма Киото (Kyoto Costume Institute (KCI)) систематически собирает и
сохраняет выдающиеся образцы западной одежды разных столетий, а также документы
и другие вещи, связанные с этой областью исследования. Изучая культуру одежды,
Институт проводит интереснейшие исследования в области социологии, что помогает
осознать, как изменения в жизни общества влияют на моду в целом. Понимая всю
важность подобной работы, Иошитака Цукамото, нынешний президент корпорации «Wacoal»
и председатель KCI, следует примеру своего отца и оказывает Институту
всестороннюю помощь. Начиная с первых дней существования, KCI делает все
возможное для пополнения своей высококачественной коллекции, что помогает
формировать тематические выставки, знакомящие зрителя не только с костюмом, но и
с историей разных стран.

KCI может похвастаться широчайшей подборкой исторических костюмов, нижнего белья,
обуви и модных аксессуаров, датируемых с XVIII столетия по настоящее время.
Начиная с редкостных сокровищ, подобных железному корсету XVII века с вышитым
корсажем, и заканчивая работами современных дизайнеров, таких как Ив Сен-Лоран и
Кельвин Кляйн, коллекция предоставляет широкий обзор эволюции женской моды.

Начало 18 века, Англия

Эта кукла относиться к началу 18 века. И хотя она имеет пропорции взрослой
женщины, но ее платье - это платье молоденькой девочки. Ленты и подборы ткани на
спине были необходимы для помощи ребенку, который только учился ходить. Такие же
подборы и ленты стали привычными для платьев девочек-подростков. В 18 веке были
куклы для детей, а были куклы - "передачики" моды. До появления модных журналов,
кукол, одетых по последней моде, отправляли из Парижа с королевскими кораблями
для передачи последних веяний моды по всей Европе.

ок. 1720г., Франция

"Платье-волан" (robe volante) произошло от наряда неглиже (неглиже (устар.) -
домашняя, непритязательная, несколько небрежная одежда) который носили в течение
последних лет правления Людовика XIV (1638-1715). Платье пользовалось
популярностью в качестве официальной одежды в начале 18 века. Большой волан
рукава ниспадал с плеч, мягко "растекаясь" по юбке платья и являлся главной
деталью, характеризующий стиль платья. И хотя корсет всегда был туго зашнурован,
ниспадающий мягкий рукав и складки ткани делали платье уютным, создавая
впечатления непринужденности и комфортности.

ок. 1740-1750гг., Англия

Ткань платья, украшенная флористическим узором и переливающаяся благодаря
серебряной нити, называется Спитлфилдским шелком (Spitalfields silk). Контраст
между синей шелковой тафтой и серебряной нитью создает гармоничную ошеломляющую
красоту. Особенностью этого платья - или Мантуа (Mantua) - является длинный
шлейф. С обоих сторон верхняя юбка была подобрана на бедрах, вместе со шлейфом,
который, к слову, носился в разных вариантах. Шлейф носили либо распущенным,
чтобы похвастаться его длинной и роскошью, либо (как на фото) сложенным по юбке.
Мантуа было модно с 1670-х годов до начала 18 века, но в Англии на приемах его
продолжали носить до конца 18 века. Данный наряд принадлежал семье Fursdon из
Девона (юго-западная Англия).

ок. 1760г., Франция

"Платье на французский манер" ("robe ? la fran?aise"). Платье женщины середины
18 века характеризуется мягкими, пастельными тонами и разнообразными
художественными украшениями - лентами, кружевами и искусственными цветами.
Особенно кружева, созданные с использованием самых тонких методов ручной работы,
больше всего украшали наряды дам того времени. Кружева были везде - на вырезах,
лифах, рукавчиках, шляпках, перчатках, и придавали платьям еще более роскошный
вид. Кружевное производство занимало особое место в различных областях Италии,
Франции, Бельгии, и эти различные виды кружев назывались по месту их
производства.

ок. 1760г., Англия

"Платье на французский манер" ("robe ? la fran?aise"). Платье из великолепной
шелковой тафты и Спитлфилдского шелка (Spitalfields silk). Три вида золотых
нитей и 11 нитей цветного шелка выткали цветочный орнамент на белом парчовом
полотне. Золотые и серебрянные нити добавили платью блеска. Потрясающий дизайн
ткани показывает высоту техники изготовления Спитлфилдского шелка середины 18
столетия. Данный метод изготовления шелковой ткани был разработан в 1700-х годах
в Спитлфилде (в Ист-Энде, Лондон). В середине 1800-х годов, высокое качество
тканей могло соперничать с хорошо известными тканями Лиона (Франция). Королева
Шарлотта (1744-1818), жена Английского Короля Георга III, охотно носила платье
из Спитлфилдского шелка, чтобы поощрить ("прорекламировать") этот вид материи.

ок. 1760г., Англия

Типичное для 18 века "платье на французский манер" ("robe ? la fran?aise").
Обратите внимание на золотичто-желтый цвет, контрастирующий с черным кружевом. В
самом начале христианской культуры желтый цвет считался цветом еретиков. А вот в
Китае желтый цвет был цветом Императора, и простолюдинам запрещалось носить этот
цвет под страхом смертной казни. В 18 веке модна на все китайское привела к
пробуждению нового интереса к желтому цвету и сделала его очень популярным у
модниц того времени. Также в этом наряде мы видим фишю ((фр. fichu) — тонкий
треугольный или сложенный по диагонали квадратный платок из лёгкой ткани (муслина,
батиста) или кружев, прикрывавший шею и декольте). Этот предмет появился в
одежде французских женщин нижних и средних слоёв общества в XVII веке. Фишю
прикрывал популярный в то время глубокий вырез на дамском платье, согревая и
обеспечивая пристойность облика. Однако часто дамы пользовались фишю так, что
платок скорее открывал или выгодно преувеличивал женские прелести, нежели
скрывал их).

ок. 1760г., Франция

Классическое женское платье периода рококо. Стиль рококо возник во Франции в
первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского), как
продолжение стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность,
большая декоративная нагруженность, грациозный орнаментальный ритм, большое
внимание к личному комфорту. Наряды этого периода шились из роскошных шелковых
тканей, которые производились в Лионе (Франция). Платья, вдобавок к искусно
вышитым тканей, декорировалось кружевами, лентами, искусственными цветами,
делавшими наряды чрезмерно роскошными и богатыми.

ок. 1765г., Франция

Это платье создано в самой сложной и восхитительной технике эпохи рококо. Ткань
с таким размытым рисунком называлась "chin? ? la branche" (примерный перевод - "китайская
техника"). Суть данной технологии заключалась в следующем: после первого
процесса тканья основы, служащего для соединения нитей и избежания их смещения
на печатном столе, на них вручную наносятся цвета. После процесса нанесения всех
цветов на основу ткани она снова помещается на ткацкий станок и ткется
окончательно. Отличительной чертой этих тканей является то, что цвета и формы
рисунка остаются размытыми, нечеткими. Эта техника была чрезвычайно трудоемкой,
и ткани с такими рисунками изготавливались исключительно в Лионе (Франция).
Обычно, таким методом ткали тонкие материалы, такие как шелковая тафта. С
середины 18 столетия было очень модно иметь дорогие наряды, исполненные в "китайской"
технике. Цветай таких тканей были восхитительно нежно-пастельных тонов. Мадам
Помпадур, кстати, была без ума от нарядов в "китайской технике", за что данный
стиль еще прозвали "тафта Помпадур".

ок. 1770г., Франция

Лиф платья в стиле "конферансье" ("comp?res") состоит из двух клапанов (левого и
правого), крепящихся с помощью кнопок. С введением этого стиля, тугой корсаж,
который постоянно носили женщины, перестал быть необходимым. Начиная с этого
периода женское платье становиться более спокойным и комфортабельным, и стиль
завоевывает огромную популярность после жестких неудобных корсетов.

ок. 1770г., Англия

Это платье из Спитлфилдского шелка демонстрирует высокий уровень текстильной
технологии, достигнутый в середине 18 века. В этом желтом платье перепрелись
китайский и греческий мотивы, популярные в то время. "Китайский" стиль побуждал
людей к зарубежным странам, и экзотические их красоты находили свое отображение
в моде Запада. Между тем, начатые в 1738 году раскопки древнего римского города
Геркуланеума (Herculaneum) сделали популярными древнеримские и древнегреческие
мотивы.

ок. 1775г., Франция

Это платье демонстрирует потрясающие возможности ручной вышивки. Наряд покоряет
изысканной монохромностью ткани, многочисленными украшениями, созданными только
иглой и нитью. Здесь использованы традиционно-французские техники шитья: "bouillonn?",
при которой ткань собирается в большие складки для придания объема; "boutis"
заключалась в набивании хлопком пространства между двумя простеганными слоями
ткани; "tuyaut?" - когда ткань сворачивают в трубочку для создания этаких волн.
Все это вместе с тонкими украшениями и серебряной нитью передает изысканную
изощренность стиля рококо.

ок. 1770-1775гг., Франция

В этом изысканном платье в стилистике рококо сочетаются тонкость и красота,
изысканность и богатство. Комбинация цветов и полос - один из популярных мотивов
того времени. И эта тенденция к "легкому образу" завоевывает все больше интереса
в данном периоде 18 века.

ок. 1770г., Франция

Воланы, бахрома, синель, ленты, искуственные цветы и кружева - все это
необходимые украшения для платьев в стилистике рококо. И хотя на этом платье все
эти украшения кажутся чремерными, они прекрасно уживаются и дополняют друг друга.
Ткань платья - шелковая парча - родом из Лиона - знаменитого центра качества и
дизайна 18 века. Техника passementerie, в которой вытканы цветы на ткани,
зародилась во Франции в 1653 году и к 18 столетию достигла пика своего развития.

ок. 1775г., Франция

Это платье создано из восхитительной ткани "canel?", украшенной замысловатым
цветочным ораментом и кусочками меха. При изготовлении такой ткани используется
синель, нити шелка, атлас и крученая пряжа. Данное платье Madame Oberkampf (чей
муж создал современное печатное производство в пригороде Парижа - Jouy-en-Josas)
одела на аудиенцию к королеве Марии-Антуанетте в 1775году.

В Музеях Московского Кремля - в Одностолпной палате Патриаршего дворца и в выставочном зале Успенской звонницы- открылась выставка «Элегантность и роскошь ар-деко. Институт костюма Киото, ювелирные дома Cartier и Van Cleef & Arpels». И если, например, отдельную экспозицию, посвященную дому Cartier, в Кремле уже показывали в 2007 году, а рассказывающую о модельере Поле Пуаре - в 2011-2012 годах, то гастроли коллекции женских нарядов эпохи ар-деко из Института костюма Киото проходят в России впервые - до 11 января. К тому же многое из этой одежды было отреставрировано специально к нынешнему показу и впервые покинуло Страну восходящего солнца и Институт Киото, входящий в четверку главных мировых музеев моды.

Своим названием стиль ар-деко обязан конкретному событию - выставке, хотя между ней и утверждением термина прошло почти сорок лет. В 1925 году в Париже состоялась Международная выставка современных декоративных искусств и художественной промышленности, откуда архитектор Ле Корбюзье и позаимствовал ар-деко, сокращенное от arts décoratifs. Но как имя нового стиля это словосочетание войдет в обиход только в середине 1960-х. Английский писатель Олдос Хаксли в 1930-м сказал, что современная «простота богата и роскошна», и в этом сочетании - один из ключевых признаков нового стиля. В моду ар-деко вошел благодаря кутюрье-реформатору Полю Пуаре -- он переосмыслил женский силуэт и еще в 1906-м избавил его от тисков корсета. Вместе с тем ар-деко как направление, уравнивавшее в правах изобразительное искусство с декоративным, обратилось в том числе к экзотике восточных культур. И в экспозиции есть придуманное Пуаре пальто из синего шелкового бархата, с вышивкой золотой нитью и бисером, которое надлежало носить, чуть спуская с плеч назад - как кимоно.

Мода на Японию шагала по Европе с конца XIX века и, разумеется, привела не только ко всевозможным стилизациям: например, кимоно и заказывали непосредственно из Японии, и в Музеи Кремля сейчас привезли домашнее платье из ало-оранжевого шелкового крепа, с цветочной вышивкой от лопаток до икр.

Однако ар-деко, подобно многим тяготеющим к синтезу стилям, делал заимствования из разных эпох. С одной стороны на выставке показывают черное газовое платье с золотистым орнаментом (кутюрье - Мадлен Вионне), созданное под впечатлением египетских орнаментов, всплеск моды на которые был вызван, в частности, раскопками гробницы Тутанхамона в 1922 году (под стать наряду здесь есть броши в египетском стиле фирм Cartier и Van Cleef & Arpels). А с другой окажется платье дома Boué Sœurs (сестер Сильвии и Жанны Буэ). Которое отчасти напомнит галантный век рококо. Пастельная розово-серая гамма, расшитая цветами треугольная вставка на отогнутом корсаже. И даже с нашитыми на плече и подоле идиллическими букетиками, фирменным знаком дома Буэ. А с третьей стороны будет robe de style, характерное и для Жанны Ланван, и в целом для ар-деко платье с пышной юбкой, вновь адресующее к нарядам XVIII века, но вместе с тем смело расшитое геометрическим узором, напоминающем об искусстве ацтеков. Описание «составных» этого вечернего платья занимает в каталоге три строчки: «шелковая тафта, кружево, шифон, бисер, стразы, блестки, кристаллы, ткачество, вышивка, плетение». Культура вещи одна из примет той эпохи - независимо от масштаба вещь сделана тщательно, как драгоценность, будь то брошь, серьги, платье или манто.

Фото: Екатерина Чеснокова / РИА Новости

Потому и, в общем-то, крошечный (9*5,9*2,5) несессер Cartier внутри умудряется вместить несколько отделений, а снаружи, на крышке - китайскую вазу с пышным букетом. Для изготовления которого не поленились задействовать разноцветные эмали, кораллы, изумруды, сапфиры, а в основании этого самого сосуда и на ручке несессера есть еще и алмазы да бриллианты разных огранок. В общем, все «необходимое», если воспользоваться прямым переводом с французского слова «несессер». И ведь если учесть, что как раз в пору ар-деко ежедневный макияж стал обычным делом, тут действительно все самое нужное. Да что там, если целую витрину занимают каблуки для туфель, одинаковой формы и высоты, зато декорированные почти с ювелирной изощренностью.

Фото: Екатерина Чеснокова / РИА Новости

Это выставка, где декоративно-прикладное искусство отражает «повадку», походку эпохи, ее приметы. В 119 вещах из Института костюма Киото, среди которых наряды, придуманные домами Пуаре, Шанель, Сестер Буэ и Сестер Калло, Фортуни, Ланван и еще в 80 аксессуарах, эскизах к ним, иллюстрациях из журналов и фотографиях. И если, скажем, прямые силуэты платьев просты, это компенсируется кружевом, вышивкой и причудливыми поясами. А в дополнение к таким силуэтам появляется шляпка-клош (от французского слова «колокол»), завершающий акцент в новом женском силуэте. Если женщины курили, то «оформлялось» это обстоятельство зажигалкой Cartier (кресало со спичкой) - с полосками золота и бордовой эмали, с венчающим спичку ониксом. А если флэпперы стали носить короткие стрижки, для них придумали надевавшиеся на лоб будто повязка бандо, но платиновые и щедро усыпанные драгоценными камнями. В залах все это перемежается цветными иллюстрациями из модных изданий, эти картинки часто делались как сюжетные зарисовки сладкой жизни. Есть среди них и «Суд Париса» (во французском оригинале с игрой слов: Paris - Париж). Сидящий к зрителю спиной господин с перстнем на одной руке и с яблоком в другой выбирает между трех нарядившихся по последней моде красоток.

"РГ" выбрала пять наиболее интересных выставок октября. В Московском Кремле покажут шедевры, созданные Коко Шанель. В ЦСИ "Гараж" в рамках выставки "Свидетельства" объединят работы Франсиско Гойи и Сергея Эйзенштейна. В Центре фотографии им. братьев Люмьер представят выставку фотографий Михаила Барышникова в исполнении Роберта Уитмена. В Третьяковской галерее на Крымском валу лидер соц-арта Леонид Соков своими работами прокомментирует постоянную экспозицию. А в ЦДХ в 41-й раз пройдет Российский антикварный салон.

Элегантная роскошь

В Одностолпной палате Московского Кремля открылась выставка "Элегантность и роскошь ар-деко". Институт костюма Киото, ювелирные дома Cartier и Van Cleef & Arpels впервые привезут в Москву сотни экспонатов, чтобы рассказать об эпохе ар-деко. Это коллекция женской одежды европейских домов высокой моды из собрания Института костюма Киото (Япония), а также украшения 1910-1930-х, в том числе первые и очень редкие произведения, выполненные в ранней стилистике этого необычного направления.

Институт костюма Киото входит в четверку лучших музеев моды в мире и владеет редчайшей коллекцией женского платья и аксессуаров выдающихся европейских фирм и модельеров первой трети XX века. Вечерние платья, манто, танцевальные и коктейльные ансамбли, а также особая разновидность нарядных платьев robe de style (это платья с пышными юбками на кринолинах). Роскошная одежда и аксессуары, представленные на выставке, были созданы такими модельерами с мировым именем, как Коко Шанель, Чарльз Уорт, Поль Пуаре, Жанна Пакен, Жанна Ланвен, сестры Калло. Экспонаты дополнят фотографии из архивов.

Ар-деко совершил революцию в моде XX столетия. В эпоху ар-деко роль женщины в обществе становилась все более и более значимой. В 1920-30-х годах дамы делали короткие стрижки, ярко красились, демонстративно курили, а силуэты в одежде стали более свободными. Эта эпоха продолжает будоражить умы многих представительниц прекрасного пола и вдохновлять современных дизайнеров и модельеров. Всем модницам и приближающимся к ним выставка просто обязательна к посещению.

Времена не выбирают

В ЦСИ "Гараж" на 1 октября запланировано открытие выставки "Свидетельства". В экспозиции представят произведения Франсиско Гойи (1746-1828), Сергея Эйзенштейна (1898-1948) и Роберта Лонго (род. 1953). Три художника, три поколения, три эпохи. Их объединяет то, что они были свидетелями бурной смены времен, пережив хаос революции, гражданских волнений и войн. Гойя служил церкви и королю, Эйзенштейн - государству, а Лонго творит в XX столетии вопреки засилию коммерции в искусстве. Признание каждому из них принесла независимая художественная практика, бросающая вызов ожиданиям и запросам общества. В поисках новаторских техник участники выставки обращались к различным формам - от традиционной живописи и гравюры до скульптуры, кино и перформанса, но основным инструментом визуализации идеи для каждого из них всегда оставался рисунок.

Посетители выставки смогут увидеть 43 ранее не выставлявшихся рисунка Эйзенштейна из Российского государственного архива литературы и искусства. Они будут представлены вместе с фрагментами семи фильмов Эйзенштейна, демонстрируемыми в замедленном темпе, так чтобы каждый кадр мог восприниматься как отдельный образ. Также в залах "Гаража" будут впервые показаны 49 офортов Гойи из собрания Государственного центрального музея современной истории России и более 30 крупноформатных рисунков Лонго, созданных им в течение последних пяти лет.

Нельзя не влюбиться

В Центре фотографии им. братьев Люмьер с 11 октября по 22 января 2017 года покажут выставку Роберта Уитмена "Михаил Барышников. Метафизика тела". Более 60 снимков одного из самых выдающихся танцовщиков XX столетия в исполнении одного из самых известных американских глянцевых фотографов будут представлены в Москве.

Уитмен и Барышников работали вместе в студии пять раз. Пять творческих встреч с 1995 по 2015 год обернулись пятью фотографическими сериями. Каков бы ни был повод для съемки, камера неизменно запечатлевает завораживающую грацию и харизму Барышникова, которыми восхищался, среди многих, поэт Иосиф Бродский. В "Диалогах…" с Соломоном Волковым Бродский отмечает: "Когда я вижу на сцене Барышникова, то это ощущение совершенно потрясающее. Я даже думаю, что это вообще уже даже и не балет - то, чем он занимается. На мой взгляд, это чистая метафизика тела. Нечто, сильно вырывающееся за рамки балета. Михаил Барышников - это некое умное тело, которое несет в себе целый мир". Одним словом, глядя на фотографии Барышникова, в него нельзя не влюбиться.

Самая ранняя серия "Аромат", представленная в экспозиции, была создана в 1995 году в поддержку рекламной кампании парфюма Барышникова. Через десять лет, серия 2015 года - самая поздняя. Как изменился танцовщик, какие метаморфозы произошли? За этим невероятно интересно следить. В экспозиции также представят фотографии, рассказывающие о том, что происходило за кулисами фотосессий.

Нигилисты и символы

В Третьяковской галерее на Крымском валу 14 октября откроется выставка "Леонид Соков. Незабываемые встречи". Галерея покажет произведения художника и скульптора, одного из главных представителей соц-арта. Имя Сокова теснейшим образом связано с зарождением и развитием этого стиля. Художник скрещивает в своих работах бытовые вещи, сакральные символы, знаки власти, образы масс-медиа, а также элементы классического мирового искусства, фольклорные мотивы, артефакты языческих культов. На все это Соков предлагает взглянуть по-новому: недаром одна из масштабных выставок его работ в Музее современного искусства в 2012 году называлась "Угол зрения".

Формат проекта в Третьяковке необычный: объекты будут внедрены в постоянную экспозицию "Искусство ХХ века". Соков выступит своего рода проводником по экспозиции. Его работы станут комментарием к работам предшественников. Зритель сразу поймет, какие авторы и периоды для художника наиболее важны, под чье влияние он попал, а с кем вступал в спор. На время выставки постоянную экспозицию Третьяковки на Крымском валу дополнят произведения скульпторов, особенно ценимых Соковым, - В. Ватагина, Д. Цаплина, А. Матвеева.

На охоту за искусством

С 15 по 23 октября в ЦДХ в 41-й раз пройдет Российский антикварный салон. Салон существует, конечно, не только для тех, кто приходит туда прицениться и купить, он также для тех, кто просто любит хорошее искусство. В этом году в Салоне будут участвовать 250 галерей из различных городов России, а также участники из Германии, Италии, США, Франции, Армении и Беларуси. Посетители смогут увидеть живопись западноевропейских старых мастеров и полотна отечественной реалистической школы, ювелирные изделия, предметы декоративно-прикладного искусства разных континентов и эпох, императорский и советский фарфор, памятники иконописи, библиографические редкости, старинную мебель.

В этом году особенно широко будет представлено искусство Италии: в Салоне примут участие итальянские галереи, которые покажут живопись и скульптуру позднего Ренессанса и ювелирные украшения рубежа XIX-XX вв. Тема некоммерческой экспозиции салона - "Страсть моя - охота". Посетители увидят изящные, отличающиеся тонкостью проработки и легкостью композиции графические листы известного немецкого художника и гравера Иоганна Элиаса Ридингера (1695-1767), работы голландского живописца Филиппа Воувермана (1619-1668), редкую шпалеру с изображением сцены охоты на медведя, выполненную русским художником Павлом Соколовым (1821-1899), серебряные табакерки со сценами охоты, охотничьи пивные кружки из серебра и кости, графин из сервиза Императорского дворца в Беловеже, месте, где так любили охотиться российские императоры.

Кстати

С 18 по 30 октября вход в Главное здание ГМИИ им. А.С. Пушкина для всех категорий граждан будет бесплатным. Обратите внимание, что акция не распространяется только на выставку "Рафаэль. Поэзия образа".

• Адрес: 103, Shichi-jo, Goshonouchi Minamimachi, Shimogyo-ku, Kyoto, Japan
• Телефон: +81 075 321 9221, +81 075 321 8011
• E-mail: [email protected]
• Сайт: www.kci.or.jp
• Время работы: 8:00-17:00 ежедневно
• Год открытия: 1974

– один из четырех лучших музеев моды в мире. Назвать его просто музеем было бы неправильно – это настоящий исследовательский центр, где не только собирают предметы одежды, но и изучают модные тенденции и влияние на них различных исторических процессов.

Он был открыт в 1974 году и за это время не только сумел собрать обширную коллекцию исторических и современных костюмов, но и стать одним из самых значимых из подобных . Ни одна из проходящих в мире выставок исторического костюма не считается полной, если на ней не представлены предметы из музея в Киото.

История возникновения музея

Идея создать музей моды возникла у вице-президента Торгово-промышленной палаты Киото и директора компании, выпускающей самую популярную в Японии марку белья – Wacoal. Толчком послужила выставка «Inventive clothes: 1909-1939», которую привез в Киото Музей Метрополитан.

Экспозиция музея

Изначально планировалось, что экспозиция музея будет посвящена западноевропейскому историческому костюму. Однако в дальнейшем коллекция расширилась. Сегодня она содержит более 12 тысяч предметов одежды, как западной, так и восточной, и старинной, и современной, а также обширное собрание белья, аксессуаров и более 176 тысяч разнообразных документов, рассказывающих, как появились те или иные направления в моде или какие-то конкретные предметы.

Большую часть экспозиции составляют старинная женская одежда в западном стиле. В 1998 году появилось дополнение – две комнаты, в которых в контексте «Повести о Гэндзи» представлена одежда и предметы быта хэйанской знати. Мебель, фигуры персонажей и одежда воспроизведены в масштабе 1:4, а часть одного помещения – в масштабе 1:1. Здесь можно увидеть наряды, которые предназначались для конкретного сезона, а также полагающиеся к ним аксессуары.

Самый старый экспонат музея – металлический корсет с вышитым корсажем – датируется XVII веком. Самые новые – появляются постоянно, поскольку большинство ведущих мировых Домов мод, в том числе Christian Dior, Chanel, Louis Vuitton, регулярно представляют свои новые либо ставшие знаковыми модели.

Как посетить музей?

Музей работает с понедельника по субботу с 9:00 до 17:00. В дни национальных праздников он закрыт. Кроме того, с 1.06 по 30.06 и с 1.12 по 6.01 в нем проводится техническое обслуживание.

Посещение музея обойдется в 500 иен (около 4,40 долларов США). Детский билет стоит 200 иен (около 1,80 USD). Добраться до музея очень просто: он находится в трех минутах от остановки автобуса Nishi-Honganji-mae (Ниси-Хонгандзи-маэ). От станции можно также сесть на один из поездов местной линии, выйти на станции Nishioji и от нее примерно за 3 минуты добраться до музея пешком.